Bibliographie Artistes cités

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Et le corps devint scène

Des années 80 où les corps dansants s’élancent comme des effigies s’adressant au monde, aux années 2000, ce n’est plus la scène comme territoire d’un espace libéré et sensuel que nous propose la danse mais comme prolongement du questionnement de l’intériorité des corps.

Un dernier souffle libertaire

Les années 70 voulurent changer le monde. Elles s’alimentèrent à une dévoration de la chose écrite, une frénésie des discours d’autorité et de contre-autorité. Vibrant encore d’un dernier souffle libertaire, mais plutôt féminine et optimiste, la danse des années 80 vient assurer une prise de relais plus sensuelle. Requinquée par les moyens considérables débloqués par les pouvoirs publics, ce mouvement projette alors des corps juvéniles et prolixes, pleins d’allant et d’histoires à raconter. Sur les scènes leurs courses impétueuses entendent finir de balayer les raideurs de l’héritage classique en danse, tout autant que les dernières entraves du vieil ordre moral en société.
Ce mouvement foisonnant de la Nouvelle danse vient parachever une visée de libération des corps, en même temps qu’il laisse cadrer ses avancées dans les nouveaux outils institutionnels mis à son service (essentiellement le maillage du territoire par les Centres chorégraphiques nationaux).

L’altération des identités féminin et masculin

Mais déjà les enjeux sont en train de se déplacer.
La diffusion durable des acquis du féminisme altère en profondeur les identités de genres féminin et masculin. Elle modifie les topographies du désir. La libération sexuelle, particulièrement homosexuelle, heurte dramatiquement l’écueil du sida. L’exacerbation des enjeux économiques et l’accentuation des tensions politiques dans un contexte de mondialisation dessinent une nouvelle perception de l’espace-monde. Celui-ci est plus que jamais traversé de migrations, et sillonné d’expéditions guerrières, humanitaires, mais aussi touristiques. La globalisation médiatique provoque une réduction des espaces, une accélération des temporalités, en même temps qu’une griserie de la submersion par les flux continus d’informations. Les innovations technologiques suggèrent des mises en réseau immatériels, éclatés et décentrés, ouvrant l’imaginaire sur les horizons extraordinaires de la virtualité.

Traiter du bouleversement de la relation espace-temps

Certains s’accordent à penser que ce bouleversement global (géopolitique, économique et culturel) est d’une intensité comparable à celui qui vit advenir les Temps modernes voici un demi-millénaire. C’est une vision du monde, une perception désirante de la relation espace-temps qui s’en trouverait radicalement bousculée. La danse n’a d’autre objet que de traiter de cette relation espace-temps. Au travers du plus proche et du mieux partagé des médiums – le corps – ne se retrouve-t-elle pas aux avant-postes sensibles de cette mutation? Quitte à s’en trouver en partie déboussolée.

La « problématisation » des corps

Assez tardivement, du reste, cet art épouse brusquement la pensée post-moderne, qui fait le deuil des grandes lignes d’utopie pour s’infiltrer dans des arborescences mouvantes de recyclages, de décodages et de détournements. Dès lors, les corps dansants n’ont plus pour souci premier de s’élancer comme des effigies s’adressant au monde. Nouvellement problématisés, ils s’ouvrent autant au questionnement de leur intériorité. Et leur complexité neuve abolit en partie la coupure qui les sépare de la scène-territoire. Ils s’y conçoivent en interfaces propices à des branchements sur de multiples plans mouvants de significations, en quoi ils se construisent. Ils sont eux-mêmes devenus scène.

Une position dans l’histoire

Rupture ou réexamen? Quelles attitudes adoptent les artistes chorégraphiques face à l’histoire de leur art? Comment continue de s’opérer une transmission, un savoir qui passe de corps en corps ?

Les anciens contre les modernes?

Les anciens contre les modernes? Il est commode d’opposer une génération des directeurs des Centres chorégraphiques nationaux (issue de la Nouvelle danse des années 80) à une génération critiquant par la suite ces institutions (les Nouvelles tendances dans les années 90-2000).
Mais cela reste très grossier: certains directeurs de Centre chorégraphique, comme Mathilde Monnier ou Régine Chopinot, peuvent avoir des affinités avec les seconds, tandis que parmi ceux-ci, on voit Emmanuelle Huynh nommée à la tête de celui d’Angers. Enfin plusieurs de ces derniers peuvent être des artistes d’âge tout à fait confirmé: Loïc Touzé, Alain Buffard ou Jérôme Bel, entre autres, ne sont plus de tout jeunes gens.

Une réévaluation plutôt qu’une simple rupture

Beaucoup plus intéressante est l’attitude qu’ils adoptent face au passé, au regard de l’histoire de leur art. C’est souvent celle d’un réexamen, d’une réévaluation, plutôt que d’une irrémédiable rupture. Un goût pour l’histoire se manifeste. L’ouverture de nouvelles voies passe aussi par l’ouverture d’une réflexion sur les anciennes.
Par exemple, nombre d’artistes (Boris Charmatz, Rachid Ouramdane, Myriam Gourfink) évoquent volontiers, et positivement, leur passage auprès d’une chorégraphe-enseignante de la trempe d’une Odile Duboc.

L’héritage d’une rupture radicale: le Judson Church

Plus loin d’eux, bon nombre de ces artistes chorégraphiques ont pointé dans l’histoire l’époque du Judson Church, cette fois pour y faire franchement référence. Dans les années 60 à New York, cette expérience collective, fulgurante et foisonnante, cristallise une remise en cause radicale des codes installés de l’art chorégraphique. Elle produit la post modern dance, en désertant les salles de spectacle traditionnelles, en croisant les disciplines artistiques, en rejetant la narration et l’incarnation de personnages, en valorisant l’improvisation, les dispositifs, les processus aléatoires, le recours aux gestes quotidiens, et en systématisant l’expérimentation. Steve Paxton, Lisa Nelson, artistes américains restés fidèles à leurs recherches d’alors, sont volontiers invités à partager leur expérience avec la nouvelle génération française, au Centre Pompidou.

Ou encore revisiter des pièces essentielles du répertoire du 20^e siècle

Souvent mal connue, souffrant de faiblesse théorique, réduite à des biographies et catalogues d’artistes ou d’œuvres mythiques, l’histoire de la danse recèle pourtant de passionnantes questions sur son rapport à la société (l’histoire des corps…) comme sur ses propres modes d’évolution et de transmission (comment son savoir passe de corps en corps).
Constitué de danseurs contemporains, le Quatuor Knust se donna pour mission de redonner vie à des pièces essentielles du répertoire du vingtième siècle. Mais il envisagea cette entreprise comme un chantier à vue, de réflexion et d’expérimentation autour des systèmes de notation de la danse (la kinétographie Laban), ou autour des forces et des références multiples qui sont au travail dans une œuvre, comme dans son interprétation, puis son souvenir. Au Centre Pompidou, le projet «… d’un Faune» (éclats) en fut l’un des plus aboutis.